3/11/2024

Carla Motis

La guitarra o quizá más el banjo ya se utilizaban en las primeras bandas de Dixieland o Ragtime en los inicios del siglo XX, pero su papel estaba restringido a un acompañamiento rítmico. Fue con Charlie Christian y quizá antes con la llegada del jazz a Europa y la aparición de un músico genial como Django Reinhardt cuando la guitarra se elevó a la categoría de instrumento solista. Desde entonces, ha habido y hay un gran número de guitarristas triunfando en el mundo del jazz y como referentes de este instrumento. No se trata de citarlos aquí, aunque acabo de hacerlo con dos de ellos, sino de escribir sobre una guitarrista joven, surgida, como otros buenos músicos, de la Sant Andreu Jazz Band (SAJB) que dirige Joan Chamorro. Hace unos años, en 2019 (estos artículos siempre llevan en la cabecera la fecha de su publicación), dentro de la serie “Joan Chamorro presenta …” pudimos apreciar el talento de esta joven y excelente guitarrista, Carla Motis.

Carla Motis (Fotografía de Aníbal Ptolomeo)

Aprovechando tres días de actuaciones de Carla en Madrid me cité con ella en un café para hablar de su vida musical. Aquí dejo constancia de mi agradecimiento a Carla. Lo que sigue forma parte de la conversación que mantuvimos y del concierto que presencié el 31 de octubre de este año, aunque ya la había visto en directo en otra ocasión (abril 2024) y en algunos vídeos.

Carla Motis nació en Barcelona y a los cuatro años comenzó a tocar la guitarra en una escuela de su barrio, Sant Andreu -un barrio que ya se ha convertido en referente de buena música y buen jazz-, y dos años más tarde ingresó en la Escola Municipal de Música Sant Andreu para estudiar guitarra clásica. Cuando en 2008 entró en la SAJB para tocar el banjo, Joan Chamorro le aconsejó estudiar guitarra jazz con Josep Traver, con quien estuvo estudiando durante ocho años (desde los 10 a los 18) en la Escola de Música Moderna de Badalona, al mismo tiempo que tocaba en la big band. Conozco a Josep Traver y le he visto tocar en numerosas ocasiones y a buen seguro que la tranquilidad y serenidad con que Carla toca la guitarra es en parte fruto de sus enseñanzas.

Carla Motis, Joan Chamorro y Josep Traver

Sin dejar de tocar en la SAJB, Carla continuó su proceso de formación en la Fundació Conservatori Liceu de Barcelona, donde estudió durante cuatro años con dos excelentes guitarristas y profesores, Jaume LLombart y Dani Pérez, que marcaron su trayectoria tanto como antes lo habían hecho Chamorro y Traver. Allí, en el Conservatori, encontró el ambiente propicio y conoció a varias personas que le ayudaron a tomar la decisión de dedicarse profesionalmente a la música.

Es lógico que a la edad con la que Carla comenzó a tocar en la SAJB su participación se limitara a la función rítmica de acompañamiento, hasta que poco a poco y con el apoyo y la confianza que le mostraban Chamorro y Traver fue tomando un mayor protagonismo en la banda y así llegar a interpretar los solos a los que siempre le animaba Chamorro. Más tarde llegó el momento de abandonar la SAJB y empezar a crear su propia carrera como intérprete. Y aquí se presenta la situación que muchos músicos jóvenes, aún en formación, deben afrontar si su deseo es seguir una carrera musical. Cómo pasar de una fase de aprendizaje y casi divertimento a una etapa profesional y en qué momento hacerlo. Hablo de ello con Carla, que me dice que el tesón, el trabajo, la pasión por la música y también -por qué no- el apoyo de su entorno son fundamentales en el inicio de una carrera como la que ella se propuso. Estaba su hermana Andrea, que ya era una artista reconocida internacionalmente y con quien ha compartido escenario en varias ocasiones, estaban sus padres que siempre la apoyaron, como también los músicos con los que se formó, pero sobre todas las cosas estaba su talento y sus ganas de hacerse un hueco en el mundo de la música. La unión de todos esos factores es lo que llevó a Carla a comenzar su andadura como guitarrista profesional.

Sus primeras actuaciones fuera de la SAJB se produjeron formando parte de diferentes grupos, algunos de ellos surgidos de la SAJB. Formó un dúo con Èlia Bastida (guitarra y violín me recuerda a otro gran dúo) con quien estuvo actuando durante algún tiempo. Formó parte de Joan Chamorro New Quartet durante los dos primeros años tras su salida de la SAJB y ahora forma parte de varios proyectos, como Ignasi Terraza Trío, el dueto con el cantante Vignesh Melwani, el grupo de swing tradicional Swing Engine y el trío con Belén Bandera y Horacio Fumero o Masa Kamaguchi. También forma parte de HalliGalli Quartet, un cuarteto de cuerda en el que predominan el swing y los ritmos afroamericanos. Y para no dejar de tocar ha formado junto a Laura Carreras (bajo) y Marta Costa (percusión) el trío Àvalon, un grupo enfocado a visibilizar el papel de la mujer en la música y especialmente en el jazz. Y ahora está con la mente puesta en crear su propio grupo. No creo que a Carla le sobre mucho tiempo, la música llena casi todo el suyo.

Hablamos también de su discografía y de giras nacionales e internacionales. En cuanto a discos, sólo tiene por el momento el ya mencionado de la serie “Joan Chamorro presenta …”, aunque sí ha participado en otros. Un disco en el que al jazz más tradicional se unen temas de bossa nova y algún ingrediente afrocubano. Sobre giras ya ha realizado unas cuantas con la SAJB por España y varios países europeos y este mismo año 2024 se unió a Andrea y Christoph Mallinger para una minigira que los llevó a realizar unos conciertos en Pekín y Shanghái.

Carla toca varios estilos, porque así debe y tiene que ser, dixieland, swing, bebop, latin, bossa nova, pero donde ella me dice que se encuentra más cómoda es en el jazz “tradicional”, si es que se puede utilizar este término para referirnos al jazz que se compuso entre los años 20 y 60 (más o menos) del siglo pasado. Utiliza la misma guitarra desde hace años, una Gibson que le gusta y considera idónea para tocar jazz. Aún no se ha lanzado al mundo de la composición, aunque sí ha hecho algunos arreglos de temas. Quizás el momento de hacerlo sea cuando cree su propio grupo, porque entonces su necesidad de expresión será mayor, rebasará lo que exige la improvisación, y ya sabemos que la inspiración ha estado siempre al servicio de las necesidades de expresión.

Ya he dicho que Carla Motis, desde su salida de la SAJB, ha tocado con diferentes grupos y he mencionado la gira por China que hizo con Andrea y Christoph, pero no lo mucho que le gusta tocar con su hermana hasta el punto de que han formado un trío (trompeta y voz, guitarra y voz y contrabajo) con el que están ofreciendo varios conciertos. Y con este formato de grupo, en el que el contrabajo corrió a cargo de Giuseppe Campisi, se presentaron en Recoletos Jazz de Madrid para tres conciertos consecutivos.

Andrea Motis, Giuseppe Campisi y Carla Motis (Madrid, 31 oct 2024)

Un concierto bastante intimista que comenzó con algunas baladas al más puro estilo de Broadway y siguió con bossa nova. Hace ya años que la música brasileña forma parte importante del repertorio de Andrea Motis y ya también de Carla. Pero tenía que aparecer algo más y lo hizo cuando Andrea habló de Lillian Hardin, de su importancia y protagonismo en el jazz de aquellos años, para a continuación tocar uno de los temas que mejor la identificaron con el swing, Let’s call it love. Y ya que estábamos por esos caminos, apareció el nombre de Nat King Cole y uno de los temas de su primera etapa, Beautiful moons ago, compuesto por Oscar Moore, y con el que Carla se lució con un excelente solo de guitarra. Y el trío nos llevó a Chile para interpretar La Pajita, un precioso y suave tema basado en un poema de Gabriela Mistral musicado por Horacio Salinas. Propina incluida, el concierto finalizó dejándonos la sensación de que habíamos asistido a algo bello, escaso en su duración (nos hubiera gustado más tiempo y más temas) y la constatación de que en Carla Motis hay una guitarrista con mucho futuro y a la que le deseo la mejor de las suertes, porque se la merece.

23/05/2024

Jacky Terrasson

Si Estados Unidos es el país del jazz y Francia fue la puerta de entrada del jazz en Europa, qué mejor que hablar de un músico franco-estadounidense como representación de una música que ha llegado a todos los rincones de este planeta. Y ese músico del que va este post es Jacky Terrasson, un magnífico pianista y compositor, que, curiosamente, no nació en ninguno de esos dos países.

Jacky Terrasson (fotografía © de Alexandre Lacombe)

Así es, Jacky Terrason nació en Berlín, hijo de madre estadounidense y padre francés. Pasó su infancia, adolescencia y primera juventud en Paris, ciudad en la que empezó a estudiar piano cuando tenía cinco años. Seguramente, el hecho de que sus padres también lo tocaran, aunque no de manera profesional, tuvo influencia en esa decisión. El ambiente familiar hace mucho. Ya antes de finalizar sus estudios de piano clásico empezó a interesarse por el jazz y cuando los finalizó ya estaba suficientemente metido en los ambientes de jazz de Paris como para haber conocido a varios músicos de jazz, entre ellos Francis Paudras que le habló de la posibilidad de estudiar en el Berklee College of Music de Boston. Consiguió que le dieran una beca y allí se fue en 1985, poco antes de cumplir los veinte años, donde empezó a tocar en algunos clubs de la ciudad.

En 1993 ganó el concurso del Thelonious Monk Institute of Jazz International Piano Competition, un premio de un enorme prestigio internacional y un hecho que cambió por completo su vida y su caché como pianista. Empezaron a llegarle más contratos y ofertas de conciertos, emprendió una gira internacional con la cantante Betty Carter y grabó sus primeros discos con el sello Blue Note. A partir de ahí, es uno de los pianistas más solicitados en los festivales, salas de conciertos y clubs de jazz del mundo entero, aunque siguen siendo Estados Unidos y Francia los países en los que más actúa. Dos países cuyas músicas han marcado la trayectoria de Jacky Terrasson.

Previamente a su contrato con Blue Note, Jacky Terrasson ya había grabado tres discos con otros sellos discográficos entre 1991 y 1993. Son en total dieciocho los discos que ha grabado, en solitario o como líder de su grupo, principalmente trio. Hace poco más de un mes (este artículo está fechado el 23 de mayo de 2024) salió al mercado el disco que hace el número diecinueve, Moving On, un disco grabado en dos ciudades, en los Recall Studios de Pompignan -donde ya ha grabado algunos de sus otros discos- y en GSI Studios de Nueva York, con contrabajo y batería distintos en sendas grabaciones, con músicos invitados, entre ellos dos excelentes vocalistas para dos temas (escuchad esas voces y ese poema, est-ce que tu me suis?), y editado con su propia discográfica, Earth Sounds, que creó en 2023. Disco que está presentando en su gira actual.

Admirador de Bud Powell, quizá desde su encuentro con Francis Paudras (autor de La danza de los infieles, sobre la vida de Bud Powell), Jacky Terrasson ha sabido crear su propio estilo, que le ha convertido en uno de los pianistas más originales del jazz actual. Esa originalidad también la podemos observar en la variedad de sus composiciones y arreglos, sus diecinueve discos son un claro ejemplo de ello. Sus composiciones son enormemente variadas y los arreglos que hace de temas de otros compositores van desde un exquisito respeto a la melodía original hasta una libertad absoluta en ellos. Ejemplos del primer caso podemos verlos en La Vie en Rose, Sous le Ciel de Paris o incluso en la Marseillaise (y más); un claro ejemplo del segundo caso son Jeux Interdits, del español Narciso Yepes o Take Five (y también hay más). Quizá más que de arreglos podríamos hablar de recreación o recomposición de estándares de jazz.

En 2003, junto al flautista Emmanuel Pahud grabó el disco Into the Blue con arreglos de composiciones de música clásica y más tarde, a partir de 2010 con Push, comenzó a grabar los discos en los que hay un mayor número de composiciones suyas y que lo consagraron definitivamente como uno de los grandes pianistas del jazz actual. Tras Push llegó en 2012 el que, en mi opinión, es uno de sus mejores álbumes, Gouache, donde contó por primera vez con la participación de Cécile McLorin Salvant en un par de temas. Cécile McLorin y Jacky Terrasson han colaborado en varias ocasiones. Tres discos más, Take This, Mother y 53 y llegamos al que he mencionado antes, Moving On, un disco que ha publicado tras más de cuatro años de silencio discográfico.

Quien busque en la música de Jacky Terrasson un jazz tradicional no lo encontrará. Y este disco no podía ser una excepción. Alguien me dijo que su música es inclasificable. Su creatividad inagotable y su constante renovación le lleva a experimentaciones que pueden suponer un riesgo en otros músicos, pero que Terrasson las acomete con la seguridad de su experiencia. Así es como comienza este disco, atreviéndose a fusionar el Estudio nº 6 de Chopin con la canción de mayor éxito de la compositora mexicana Consuelo Velázquez, Bésame mucho (bueno, tampoco es el primer músico contemporáneo que se inspira en Chopin o utiliza su música). A partir de ahí, el disco, con 15 temas, de los que 8 son composiciones de Terrasson y el resto arreglos de estándares, es una nueva demostración de la originalidad e improvisación que caracteriza a este excelente y rompedor pianista. Un disco con una enorme variedad en los temas, que van desde la serenidad que encontramos en Love Light o Enfin (con armónica incluida) al ritmo trepidante de Moving On o AF006.

Jacky Terrasson ha actuado en conciertos con diferentes formatos de grupo, incluso a piano solo, pero seguro que el más utilizado ha sido el trio (piano, contrabajo y batería); un formato utilizado por muchos grandes pianistas de jazz. Quizá el más recordado sea el que formaron Bill Evans, Scott LaFaro, y Paul Motian. Creo que la prematura muerte de LaFaro nos privó de mucho bueno. Ahora, el trio es el formato que más utiliza Terrasson en sus conciertos. Son varios contrabajistas y bateristas los que han acompañado a Terrasson y en la gira que está haciendo en 2024 por países europeos son Sylvain Romano y Lukmil Perez quienes le acompañan, que fueron con los que grabó la parte del disco en Francia. Esta gira europea incluía dos ciudades españolas, Madrid y Logroño, y a la Sala Villanos de Madrid fui a ver y escuchar al trio el 21 de mayo.

Jacky Terrasson Trio (Madrid, 21 mayo 2024)

Quiso Jacky Terrasson empezar el concierto con suavidad, que nos sintiéramos envueltos en su música más serena y para eso eligió Love Light, un precioso tema que cumple esta función en su último disco, para pasar a continuación a esa recomposición que ha hecho de Bésame Mucho. No incluyó en el concierto los dos temas vocales del disco; lógico, porque allí no estaban ni Camille Bertault ni Kareen Guiock Thuram, que son las vocalistas que los interpretan, pero sí la innovadora versión que ha realizado de I Will Wait for You (los paraguas de Cherbourg se abren para el jazz). Y hasta el escenario de la Sala Villanos llegó el pájaro de Borneo para que nos deleitáramos con este sugerente tema, Edit (piaf). Ya finalizando el concierto el trío interpretó el tema que da título al disco más una propina.

Jacky Terrasson (Madrid, 21 mayo 2024)

Pero aún no pudo irse, porque gran parte del público puesto en pie le pidió una de sus favoritas, Alma, que está incluida en su anterior disco, 53, y Terrasson, ya solo, sin sus acompañantes, tocó algunos compases de este tema. A quien me dijo que su música es inclasificable (Marisa) no puedo sino darle la razón. Sus dos nacionalidades, sus dos países de residencia con sus respectivas músicas han conformado la mezcla de todas las influencias que han constituido su música desde sus primeros años. Jacky Terrasson es otro músico que merece la pena ver en directo (bueno, como a todos los grandes).

10/02/2024

María Toro

No son muchos los músicos españoles de jazz reconocidos internacionalmente, pero, en mi opinión, hay muy buenos intérpretes de jazz, tanto instrumentistas como vocalistas y también compositores. De los 61 artículos que van publicados en este blog, son 22 los dedicados a músicos españoles. Ahora añado a esta lista un nombre más, el de una flautista y compositora que lleva tiempo triunfando no sólo en España, sino también en varios países. María Toro.

María Toro (fotografía de Lola García Garrido)

Contacté con María Toro tras uno de sus conciertos para proponerle vernos un día y hablar de su trayectoria musical y ante alguna dificultad para hacerlo en persona lo hicimos mediante una conversación telefónica. Agradezco a María su disponibilidad.

María Toro, compositora, flautista y pandeireteira, nació en A Coruña, y ya de niña se interesó por la música y participó en algunas actividades musicales relacionadas principalmente con la música popular gallega. Cuando tenía ocho años insistió a sus padres hasta convencerles de que le compraran una flauta travesera, su primera flauta y su amiga inseparable desde entonces. En A Coruña empezó a estudiar música en el Conservatorio Superior de Música, obteniendo el Título Superior en la especialidad de Interpretación. Simultaneó sus estudios con actuaciones en un grupo de rock progresivo, Amoeba Split, grupo que aún permanece y que actualmente se identifica con un estilo jazz-rock.

Al terminar su formación de clásica decidió investigar otros caminos musicales. Ya había descubierto el blues y el rock de Ian Anderson (Jethro Tull) y a algunos músicos de jazz, entre los que se encontraban referentes del flamenco jazz como Chano Domínguez y Jorge Pardo, este último uno de los mejores flautistas y saxofonistas europeos. Consiguió una beca para estudiar en la Escuela de Música Creativa de Madrid y se trasladó a esta ciudad en 2005 para seguir su formación, iniciando estudios de jazz al mismo tiempo que se interesaba por el flamenco. Desde entonces, el jazz, el flamenco y la música popular han sido las constantes que han marcado su trayectoria musical. Me cuenta que no existen antecedentes familiares suyos dedicados a la música, salvo un tío abuelo, Luis el Toro, natural de El Puerto de Santa María, cantaor de flamenco. Quién sabe si no le viene por ahí su cuota de este estilo.

En Madrid comenzó a integrarse en los ambientes musicales, sobre todo flamenco, llegando a realizar algunas actuaciones a través de la Escuela Amor de Dios, hasta que contactaron con ella de una compañía suiza, Flamencos en Route, con quienes colaboró en varias composiciones y actuaciones. Todo esto mantuvo a María Toro seis años en Madrid, con esporádicas estancias en Suiza, hasta que en 2011 decidió irse a Nueva York y allí tocó con muchos de los músicos más importantes en algunos de los clubs de Manhattan. Fue una etapa que le supuso a María Toro un gran enriquecimiento musical. Bueno, para quien se dedique al jazz o le guste y lo disfrute no está nada mal pasar una temporada en Nueva York. Es una ciudad que puede ser tan hostil como acogedora y a la que artísticamente hay muy pocas que se le puedan comparar y menos aún para escuchar buen jazz. De Nueva York dio el salto a Rio de Janeiro en 2013, ciudad en la que permaneció cinco años y donde descubrió una música nueva que no tenía mucho que ver con lo anterior. En Brasil vivió unas experiencias personales y musicales de mucha intensidad. En 2018 regresó a Madrid donde aún reside cuando sus giras se lo permiten.

María Toro tiene publicados tres discos y en este año 2024 tiene previsto grabar y lanzar un cuarto álbum. Autoproduce y autofinancia sus discos, aunque luego haya una discográfica, Jazz Activist, que los incluye y promociona dentro de su sello. A contraluz fue su primer trabajo discográfico, grabado en Nueva York en 2012 y lanzado en 2014. Contiene siete temas compuestos por María. A Nueva York llegó tras su paso por Madrid y Suiza, cuando ya el flamenco formaba parte de su música y en ese disco se percibe cómo fusiona los ritmos flamencos con el sonido neoyorquino. Recordemos una vez más aquello que parece que dijo Miles Davis: “El flamenco es como nuestro blues”.

En 2017, ya en Rio, grabó su segundo disco, Araras, con nueve temas, de los que ocho son composiciones suyas y el último, Chacareando, un regalo del bajista brasileño Itiberê Zwarg. En este disco participaron varios músicos, entre ellos Hermeto Pascoal, una de las personas más importantes de la música popular brasileña. Trabajar con Hermeto fue para María Toro una experiencia inolvidable. En los cinco años que María estuvo en Brasil descubrió un estilo de música diferente del que había estado escuchando en Nueva York. Una música llena de color y naturaleza que le aportó una nueva visión al mismo tiempo que ella incorporó a esta música su propio estilo. Una simbiosis de la que se siente especialmente satisfecha.

A su regreso a Madrid grabó su tercer disco, Fume, en 2020, con diez composiciones y arreglos suyos. Aprovechando aquella época triste del confinamiento en que no se podía salir se dedicó a componer y lo grabó ya con quienes formarán parte desde entonces de su grupo habitual, David Sancho (piano), Toño Miguel (contrabajo) y Andrés Litwin (batería), más la colaboración en algunos temas de Chano Domínguez, Miron Rafaelovich y Shayan Fathi. Si en el primer disco es el flamenco y Nueva York los que protagonizan los temas y en Araras es la música brasileña su inspiración, en Fume vuelve a su Galicia natal para rendirle homenaje. Pero no es sólo su tierra gallega la que está presente en este disco, porque María Toro va incorporando sus vivencias musicales en cada uno de sus discos. Así que aquí está todo, desde el flamenco hasta Galicia y su música popular (como A Costureira), pasando por Nueva York y Brasil. Una muestra más de la universalidad de la música, tal como la entiende María Toro. Y es que la música de María Toro tiene influencias de muchos estilos.

Llevaba yo algún tiempo detrás de ver a María Toro en directo, pero entre sus giras internacionales -en el último trimestre de 2023 ha estado de gira por países de Europa, Latinoamérica y África- y algún despiste mío, aún no se había presentado la ocasión. Fue Mónica, amiga de María y mía (casualidades de la vida), quien me envió un mensaje en el que se anunciaban dos conciertos próximos en Madrid y decidí ir al primero de ellos que se celebró en el Centro Cultural Juan Genovés del distrito de Aravaca. Hay que estar atentos a la programación de los centros culturales, en algunos de ellos he asistido a conciertos realmente interesantes.

María Toro Quartet (Madrid, 21 enero 2024)

El concierto se basó principalmente en las composiciones de su último proyecto, Unlimited, cuyo disco aún está pendiente de grabar, con la inclusión de algún tema más del folclore gallego, como fue la interpretación de A Rianxeira. Un concierto en el que además de la flauta, vimos a María Toro tocar la pandereta y cantar. El cúmulo de experiencias que incorpora María Toro en cada uno de sus discos o actuaciones hace de esta artista gallega una de las más interesantes del actual panorama jazzístico español.

María Toro (Madrid, 21 enero 2024)

Su proyecto más inmediato es el de grabar su próximo disco, Unlimited, cuyo single, que me parece muy bueno, ya presentó en 2023 y puede escucharse en algunas de las plataformas actuales que ofrecen música. Pero no es su único proyecto, María ya tiene en mente la preparación de otro disco en el que el folclore gallego tendrá un protagonismo especial. Su regreso a España le ha supuesto un reencuentro con el folclore y María está interesada en trabajar la música popular. Si a eso añadimos sus conciertos y giras, estará María Toro enfrascada en varios asuntos que la tendrán ocupada una buena temporada. Estaremos expectantes ante todo ello. Mientras tanto, espero poder verla pronto de nuevo en algún escenario, que, a mí, ante todo, es el directo lo que más me gusta e interesa.

4/11/2023

Ariel Brínguez

Ya he dicho en alguna otra ocasión que el binomio Cuba y música es inseparable. Cuba ha exportado su música al resto del planeta y un buen número de músicos de esa isla caribeña están repartidos por medio mundo. Cuba también tuvo una importancia capital en el nacimiento del jazz latino y sigue teniendo mucho que decir y ofrecer sobre este género, pero no voy a incidir en ello, que ya hay mucho escrito al respecto y, además, no es el objeto de este artículo. De entre los músicos actuales cubanos repartidos por el mundo son muchos los que han elegido España para vivir y bastantes los que residen habitualmente en Madrid y sobre uno de ellos, Ariel Brínguez, va este artículo. No es la primera vez que aparece su nombre en este blog sobre jazz actual, pero ya tenía ganas de hablar más extensamente sobre él, porque lo considero uno de los mejores saxofonistas que hay en España, sobre todo cuando entre sus manos tiene el saxo tenor, aunque también toca el alto y el soprano. Tuve la oportunidad de hablar con Ariel -a quien agradezco su amabilidad, como también la de su mánager, Nuria Becerra- para contrastar algunas informaciones y datos, de manera que no escribiera algo que fuera erróneo.

Ariel Brínguez (fotografía de Edu Alonso)

Ariel Brínguez nació en Santa Clara y es nieto de un saxofonista muy querido allí, Juan José Brínguez Ochoa, quien fue director del grupo Los Fakires (algo comenté sobre Juan José Brínguez y Los Fakires en el artículo que escribí sobre Ángela Cervantes en este mismo blog), y tuvo una clara influencia en la afición de Ariel por la música. Juan José Brínguez falleció en marzo de este año 2023. También los padres de Ariel y varios de sus tíos estudiaron piano u otros instrumentos; ya un bisabuelo suyo, José María Ochoa, fue un afamado músico cubano, así que su afición musical no sólo le viene por su origen cubano, sino también por su entorno familiar. Y es que en Cuba aparecen músicos hasta debajo de las piedras. Ariel Brínguez estudió música primero en Santa Clara y a los 13 años ingresó en la Escuela Nacional de Arte de La Habana para obtener el Nivel Medio de música y después en la Universidad de las Artes de La Habana y allí, en La Habana y una vez obtenido el Grado Superior de música, se incorporó a la orquesta de Orlando Valle “Maraca”, con la que realizó varias giras por Estados Unidos y Europa. Más tarde llegó su participación en el grupo Irakere que había creado Chucho Valdés, con quien actuó en Cuba y República Dominicana, y sus colaboraciones en la banda de David Murray como saxo tenor.

En la Universidad de La Habana conoció a una alicantina que le hizo tanto tilín (en su acepción castellana, no cubana) que acabó en boda y en su llegada a España a finales de 2007. Luego vino el desamor, pero Ariel ya decidió establecerse definitivamente en Madrid. En Madrid contactó con otros músicos cubanos, españoles y de otras nacionalidades y tuvo la oportunidad de unirse a la big band de Bob Sands con quien tocó en varios conciertos. En 2011 la pianista Marta Sánchez, con quien ya había tocado en diferentes ocasiones, le ofreció unirse a su grupo para grabar su segundo álbum, La Espiral Amarilla, añadiendo así un saxo a lo que en su anterior y primer disco había sido un trio (piano, bajo y batería). Marta Sánchez y Román Filiú, otro gran saxofonista cubano y habitual en los grupos de Marta Sánchez, fueron dos de los músicos con los que solía actuar Ariel en sus comienzos en España.

Ariel Brínguez tiene editados cinco discos, el primero Raíces en Colores, todavía en su etapa cubana y con el que obtuvo un premio, al que siguieron Nostalgia Cubana (2016), Experience (2017) y Conjuros (2022) y en febrero de 2023 una nueva versión de Nostalgia Cubana con sólo cinco temas y grabado en directo en NDR Kultur Hamburg. Está en posesión de dos Grammy por sus colaboraciones con Alejandro Sanz en el álbum El tren de los momentos (2008) y con Chucho Valdés y su álbum Tribute to Irakere: Live in Marciac. (2017). También participó en el disco Voyager con el que su amigo y pianista Iván “Melón” Lewis obtuvo el Grammy al mejor álbum de jazz latino en 2021.

Los dos proyectos que Ariel Brínguez mantiene más vivos en la actualidad (escribo esto en octubre de 2023) son Nostalgia Cubana y Experience. Con el primero, Ariel nos transporta al universo de la música cubana más tradicional, con reflexiones sobre Cuba desde España y temas de grandes compositores cubanos (Virgilio Martí, Miguel Matamoros, Rafael López, Rolando Vergara, Leo Brouwer y otros) con arreglos y adaptaciones del propio Ariel. En Experience, Ariel quiere homenajear a varios de los músicos que han protagonizado la historia musical del siglo XX y ha compuesto ocho temas dedicados a algunos de ellos. Allí están Ravi Shankar, Beatles, Camarón, Bob Marley, Michael Jackson, Lázaro Ros, Jimi Hendrix y Stevie Wonder, todos ellos en la memoria de Ariel, que sin ningún tipo de prejuicio o complejo los convierte en protagonistas de un jazz contemporáneo. Cierra este disco un precioso tema, Tierra, con Ariel y el contrabajista Reinier Elizarde a dúo. Añadamos a estos dos proyectos Latidos, un encargo del Festival Internacional de Arte Sacro (FIAS), que se estrenó en el festival de marzo de 2023.

Ahora, la Nostalgia Cubana de Ariel Brínguez está recorriendo los escenarios de media Europa, inundándola de ritmos caribeños en clave de jazz. Decía Gabriel García Márquez que “El Caribe no es un área geográfica, sino cultural” y músicos como Ariel están extendiendo esa cultura por el mundo. Pero no nos confundamos restringiendo la música de Ariel Brínguez exclusivamente a la más representativa de su país natal o al jazz latino, porque Brínguez es un músico universal y su eclecticismo musical le ha llevado a interpretar todo tipo de composiciones de jazz, desde las más clásicas a las más contemporáneas y a las suyas propias. Y no sólo de compositores de jazz, porque con su proyecto Jazz about Bach nos propone, de nuevo sin prejuicios ni complejos, que escuchemos la música del genio alemán desde otra perspectiva.

He asistido a conciertos de Ariel Brínguez en varias ocasiones. Creo recordar que la primera vez que lo vi fue en el Teatro de la Abadía de Madrid (¿2014?) con Pablo Martín Caminero (otro grande) y este año 2023, que la programación del Festival de Jazz de Madrid es muy atractiva, no quise perderme su concierto como líder de un buen plantel de músicos. Así que fui a verlos a la Sala Villanos, una sala que acaba de abrir sus puertas, las mismas que cerró en 2022 la mítica Sala Caracol. Un concierto en el que a los saxos tenor y soprano de Ariel se unieron Pablo Gutiérrez (piano), Javier Sánchez (guitarra), Darío Guibert (contrabajo) y Fede Marini (batería) para tocar los cinco temas que componen su Nostalgia Cubana grabado en directo en el NDR Kultur Hamburg. Esos cinco temas más una medio sorpresa, porque por allí estaba Ángela Cervantes y Ariel la invitó -entre las interpretaciones de La Sitiera y Hermosa Habana- a que subiera al escenario para poner voz al grupo. Un concierto en el que Ariel volvió a demostrar que es uno de los mejores saxofonistas de la actualidad y un gran manejador del directo.

Ariel Brínguez (Madrid, 24 octubre 2023)

Dice Ariel que el jazz es sentimiento y tienes que saber trasmitirlo a quien lo escucha. Me parece importante y más en el directo. He asistido a conciertos en los que nadie pondría en duda la calidad de los músicos, pero en los que se echaba en falta esa transmisión de sentimientos de la que habla Ariel. No es su caso, porque su conexión e interacción con el público que lo escucha es otra de las virtudes de Ariel. Es la magia del directo, conseguir que la conexión entre artista y público funcione en ambos sentidos y Ariel nos lo demostró esa noche -hasta con algún toque de humor- en la que la Sala Villanos estaba repleta de un público totalmente entregado, que no paramos de aplaudir hasta lograr que, cuando ya se habían ido del escenario, volviera de nuevo el grupo para tocar un tema más (la propina), ya sí el último de la noche, que fue Un día de noviembre. Ariel no imita la interpretación y el sonido de saxofonistas insignes, a los que sin duda admira, sino que, aun buscando inspiración en ellos, ha conseguido tener su propio sonido.

El quinteto de Ariel Brínguez (Madrid, 24 octubre 2023)

Pese a sus numerosas actuaciones y giras no abandona su faceta de formador y continúa dando clases de saxofón en la Escuela Superior de Música Creativa de Madrid. Ariel Brínguez comparte mánager con Iván “Melón” Lewis y ambos son de los músicos cubanos residentes en España que más giras internacionales están realizando en estos últimos años. Además de sus actuaciones por España, ciudades de otros países como Francia, Alemania, Austria, Portugal o Bulgaria han podido disfrutar en los últimos meses de la música de Ariel Brínguez. Jazz isn't dead.